Issue 156｜刺青讓我們看見的／串接40年的刺青藝術

2026/04/24 撰文／張玉音

其師

1979年（13歲）開始摸索幫人刺青，1988年進入刺青行業，1997年正式創立「其之紋身」，深耕業界。擅長大面積日式經典圖案，龍虎鳳、神鬼佛、武士道，均線條繁複、色彩鮮明，聞名海內外。他是刺青藝術的開路者，更是無數後進的導師和社會人士的照料人，他是一個時代。

一開始在林森北路日式宿舍平房一帶當刺青師，其師的紋身是少數被定義為「台式刺青」的。早期沒有網路圖像資料可以查找，很仰賴生活經驗、記憶的收集，也會去廟宇細看壁畫、工藝作品。客人指定的圖像或聖獸，其師一定會整個重新設計，絕對不會和市面上的圖樣重複，在早期自創圖像刺青師非常少見的市場裡，更顯珍稀。

富哥

1966年出生，本名李瓊富，人稱富哥。早期沒有刺青師可拜師學藝，土法煉鋼自學、自製器材，1990年代開始專職刺青，1994年落腳新莊開店，取名恆藝紋身，2000年左右改以自己名字「彫富」作為店名，目前執業40年，被台灣刺青界譽為教父級的人物。

勤勞收集刺青圖像的代表人物，可說是同輩刺青師的「供圖來源」。早期富哥會跟老牌的進口書店古瓏驊買書，總是不惜重本，以高出國外原價數倍的價格取得書籍。入行40年的他，更確認什麼風格能永續發展，「技術固然重要，但持續有生意也是一門學問。」美感、流行隨時都在變動，但老傳統刺青有更深層的文化歷史連結，會不斷在潮流當中復古。

Kubrick

2014年開始從事紋身工作，擅長運用大量細膩線條與豐富細節打造精緻的作品。曾旅居多國，在不同的紋身店工作，累積豐富經驗。現與畫家Fanko合作，在台北南港共同經營紋身空間「春文社」，持續精進技術並探索更多創作的可能。

對刺青是否具有藝術性的見解相當謹慎。即便是創作自主性較高的作品，他仍不會斷言其為藝術，「只要有除了自己以外的意見進入圖像生產，就有委託的成分，在我的定義中，有委託就不是藝術。」影響他最深的漫畫家即是具有獨特細膩筆觸，並挑戰凸版印刷極限的沙村廣明（Hiroaki Samura），「我無法說出我受到藝術史上哪些巨匠的影響，但漫畫是成長至今最直接影響我的圖像來源。」

House

美式傳統刺青師，2011年入行，喜歡美式傳統紋身的一切。從作畫方式到刺青用具，都盡量維持傳統。在追求快速方便的時代，熱衷繁瑣麻煩的舊方式。在紋身創作方面是十足的守舊人士，毫無溝通的機會。

每次造訪歐洲城市，House都去翻找遺跡與古董刺青用具，不斷在歷史脈絡中擷取新的靈感來源。刺青用具隨著科技進展不斷演化，他仍堅持以傳統的線圈機工作，「我們只看到方便讓我們得到什麼，卻不問方便讓我們失去什麼。」手上的老圖稿，紙張會先經過仿舊的染色，他再從草稿、描線到著色一步步建構。他珍惜手繪容易出錯、不易調整的特質。

York Yeh

從事刺青行業已十餘年，並在職業生涯中累積了豐富的國內和海外駐店經驗。於2020年成立太陽龍宮，集結刺青、插畫和平面設計等多種藝術形式的工作室。作品以整潔俐落的線條和飽和的顏色為特色，獨具辨識度。

圖像大體都奠基於科幻（Science fiction，簡稱Sci–fi）的想像上，在虛構與未來交錯出一種世界觀，他的作品裡可以找到1970年代嬉皮迷幻圖騰的配色，也有如廟宇剪黏色彩鮮麗、造形繁複多層次的配色邏輯。傳統美式刺青奠基在歷史上尋求安全感，而York選擇將自己拋向未來，「憑空創造新的圖騰，風險很高，必須消化夠多，才會融合出一個不容易被流行淘汰的圖像，要理解是什麼影響你，而你又是挪用什麼重組。」

Ray

Ray，收錄於本書的十位刺青師，由攝影師陳智賢捕捉其工作神態以及跟工作室的獨特關係。圖／陳智賢

刺青師、藝術家。2017年成立THEBAYSTUDIO ，近年也透過藝廊將繪畫作品持續展出並販售。擅長用線條及色塊描繪單一物件及事件，看似簡單的題材，擁有無法一眼望穿的深度和不斷變動的錯覺，在當代藝術極端的反叛與傳統的縫隙中持續刺青和繪畫。

當一個經常性的母題出現時，Ray會盡可能畫到上百張，以找出自己對對象物（無論是貓、人、鳥類、馬等）線條的掌握度，面對抽象性、幾何圖形的作品系列，也會以「雕塑」的概念來配置客人身上的圖樣。圖樣能鋪陳出從印象派的光影邏輯、立體派的形式架構，到原始藝術嚴峻的神聖感，無論色塊、柱狀、球狀還是錐形，都透過原始、明確、神秘的造型美學連結出一種對人性理解的深邃動能。

Upa

Upa，收錄於本書的十位刺青師，由攝影師陳智賢捕捉其工作神態以及跟工作室的獨特關係。圖／陳智賢

2016年開始將刺青和身體視為一種創作的媒介。繪畫和圖案在身體上是觸摸、是意外的痕跡，也是尋找和自由的經驗。透過實驗不同的筆觸變化，她從玩耍的過程中學習，挑戰刺青嚴肅性與傳統，致力於發現更多有趣的可能。

相較許多刺青師使用數位繪圖板，Upa長期習慣在隨身包裡放著簡易的繪圖工具與筆記本，「我還是最迷戀在紙上留下手工筆觸的工作方式。」這些圖樣有的掃進繪圖板成為刺青作品，有的則成為她油畫創作的草稿來源。「我的滿足感好像建立在可以用『點』和『調色』來達到我理想的圖像上。」念舊的她使用簡配甚至過時的器材，但她工作的樂趣始終在於以這些器材創造最廣泛光譜的色彩與筆觸。

葫蘆墩的阿弘

2014年臺北藝術大學畢業後，前往豐原「宮下刺青屋」學習，2018年開始阿弘「塔土工作室」。喜歡創作詼諧帶點惡趣味的圖像，受到1990年代和2000年代電玩、電影的影響。設計喜歡以黑白和線條為主體，表現混亂、斑駁的圖像質感。

阿弘通常僅選用黑與灰階來構成刺青作品的色系，在筆觸上更靠近街頭噴漆的滴流、隨興，或是對應壞畫（bad painting）、壞品味的美學系統，經常出現刻意龜裂、刮除、碎裂的質地諧擬。這類有意識抵抗古典均衡、對稱的去中心化美學語彙，早已是菁英藝術表現系統的一環，但在台灣刺青產業裡刻意的草率與粗糙，離廣泛被接受仍有一段距離要走。

柯廷

2020年臺北藝術大學畢業，2023年取得倫敦Kingston University插畫系碩士，從事刺青行業七年，目前和姊姊在台中共同經營刺青工作室Melt studio。喜歡細膩且風格詭異的插畫，以人物的變形、解構、重組為創作的核心之一。作品多以黑白刻畫不同質感的細節為特色。

「刺青和創作帶給我的是兩個完全不同的身體感受。」柯廷坦言，刺青師進行到一定年限後，一定會面對自己過度「美感操練」的困境，「這種輪迴像是一種陷阱，你會為了謀生而一直重複自己擅長的事，所以我很敬佩特別切分時間面對自己創作的刺青師。不斷探尋自己真的創作感想，其實就像神經的中樞，如果空掉了，連帶著刺青新的圖像也會停滯，對我來說想要繼續以刺青為生就不能放棄創作。」

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:cya:，收錄於本書的十位刺青師，由攝影師陳智賢捕捉其工作神態以及跟工作室的獨特關係。圖／陳智賢

具平面設計與服裝設計系專業訓練。2018年接觸刺青，2019年開始全職刺青工作，2022年於古亭捷運站附近成立工作室孜孜兀兀。擅長使用點刺技法，以展現漸層與顆粒質感，致力於將傳統技法與現代設計元素相結合，為刺青藝術注入新的生命與創意。

靈感多來自大量動態觀察時下的流行元素，具有某種像是本能或無意識地敏銳捕捉能力。如以「Y2K」流行的元素蝴蝶結為例，他消化後可能會應用在數個經常繪製的母題，再做出變體的對應。對於古典器材沒有執念的刺青師，許多已轉向仰賴筆型刺青機，:cya:就是其中一位。選擇筆型刺青機除了有接近繪圖時的手感，主要也是他期待仿擬手針刺青（Hand Poked Tattoo）那種由點構成色與面的質地。

節錄自《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980—2020》，野点出版

本文選自《500輯》Issue156「刺青讓我們看見的」

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有些書在補知識，有些書在改變看事情的方法，《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980—2020》接近後者。它讓人看到，刺青不只是圖像或風格的選擇，還包含創作、技術與師承，也有很現實的生存問題。當那些不容易被理解的，被一一整理出來之後，刺青不再只是次文化或風格，它和其他創作無異，是向內向外拓展自身視野的途徑。