May Su：就個人創作而言，因著美術與設計的背景，我常認為舞台和光就像是畫布與畫筆，光媒創作和傳統媒材雖然形式不同，但仍存在一定程度上的同質性，只是從CMYK轉為RGBW。我傾向將感性、美學和概念性放在技術與娛樂性之前，因此形成了與既有演唱會產業截然不同的製作邏輯與創作思維。在演唱會中光做為媒材的位置與呈現應該是流動的，有時候它需要尖銳而搶眼，在最前端給予觀者直接的刺激；有時它應該柔軟無形，包容場景、演出者以及其他視覺資訊。這是我理想中的燈光呈現想像——在適當的位置上，既有直接的表現，也有隱晦的含義。我曾於一次課程講座提出這樣的一段話：「我們要學會開燈，也要學會關燈；讓燈動起來很簡單，但要讓燈靜止，有時候需要勇氣。」
500輯：你如何掌握創作光的平衡？
May Su：這需要談及「意義與形式」，或是所謂「概念性與娛樂性」。概念呈現的重要性與娛樂性比例的拿捏，往往是流行音樂場景需要面對的抉擇。或許是因為時代與社群的快速變遷，現代人對視聽刺激的渴望迅速增長，產業內充斥著華麗的形式、豪華螢幕搭配空洞的視覺內容以及誇張的特效與機關。有些合作對象僅需要單純的動態與刺激效果，有些則希望透過反覆討論，確保作品能被清楚理解並有效傳達訊息。兩者所需的燈光性質、氣質與目的截然不同，而後者正是我在演出製作與設計上所追求的理想。我們是否真的需要如此多表層的刺激與體驗？或許是整個時代所面臨的課題。
500輯：什麼驅使你不斷投入「設計光」？
May Su：痛苦與成就感的循環——這是驅使我不斷投入設計與演出製作的核心動力。痛苦一方面來自演出現場持續的身心高壓與低容錯率（或許也源於自我要求）；另一方面，則源於我對製作的理解與投入的程度。能在工作中同時完成任務與實現自我，是一件奢侈的事，也讓我深刻體會到共創的珍貴與挑戰。我曾於金音創作獎上以光媒形式登台，這一行為跨越了幕前與幕後的界限，將燈光設計與控制融入表演本身。除了光的呈現，控制者的「我」也成為演出的一部分，並試圖透過這一系列作品向產業發聲與碰撞，希望產業能將演唱會製作視為一種創作行為，而不僅是服務產業或演出的螺絲釘與生產鏈。讓燈光設計能以「共創」的方式被理解，也期待未來有更多人能勇於冒險。蘇揚庭於金音獎的創作《聲 v.s. 光》，以遊戲搖桿和Finger Drumming等特殊方式，結合燈光編程軟體，將光作為演繹媒材。操作者即為表演者，進行一系列新型態的展演。
May Su：最大的收穫是更全面的製作視野與思維，還有學會適時「放手」。人們可能直觀地認為，擁有燈光設計背景的導演對燈光設計的要求會更加嚴苛，但當我身處於更前端的製作位置時，必須考量的因素卻更多。例如，企劃與演出呈現概念的連結與完成度、甚至演出者的狀態等。當視野變得更加宏觀全面，我會捨棄許多第一線創作或設計者的拘泥與執念。這並不是說作品的精緻度會降低，反而讓作品的呈現與理解變得更立體明確。燈光需要考慮的，不僅僅是燈光本身，還包括燈光在整體中的位置及其重要性。有時候，有序的創作平衡成果，能夠優於瘋狂的才華堆疊——這是我從設計者轉變為導演後，最深刻的經驗與體悟。蘇揚庭與PUZZLEMAN在雲門共構一場破格的聲光展演。
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