2026 「Dance Talk & Experience」講座—— 今天，我們為什麼還需要芭蕾？從古典到當代，用芭蕾的語言孕育臺灣的故事

2026/09/02 Stella Tsai

臺灣的芭蕾歷史，寫在滿街的舞蹈教室裡，也是許多人童年共有的才藝班回憶。有的人順著興趣一路跳到成年，更多人是中途轉向；然而即便是離開，他們的身體也始終記得那份優美的挺直與延展。作為一套西方來的舞種，臺灣學芭蕾的孩子自小就被雕琢出高超的身體技巧，卻往往因體制的限制而限縮自我個性的展現。而古典芭蕾從來不只是完美的技巧，更是融入個人性格的詮釋，以及注入生命經驗的創作，可以說是一門跨文化的國際語言。

由香奈兒與衛武營共同支持的「Dance Talk & Experience」，今年以「創造芭蕾的路上（The Path to Ballet Creation）」作為年度主題，邀來三位臺灣芭蕾工作者——周子超、葉名樺、李書嫻，以及來自德國的客座編舞家 Andreas Heise，在兩天密集的工作坊後，分別以《我為何而芭蕾？從臺灣看世界》與《創作芭蕾的未來風景》為論壇主題，探討此刻芭蕾在臺灣的存在價值。

《我為何而芭蕾？從臺灣看世界》——打造健全芭蕾生態系的未來

在當代表演藝術的思潮中，芭蕾經常被貼上西方古典與菁英的標籤。然而策展人周書毅強調，當芭蕾走進臺灣的教育體系，就不再只是複製古典的外來物，而是能透過當代的創作，一起編織出屬於這個時代的藝術語言。首日論壇邀請了三位從小在臺灣進行芭蕾訓練、隨後走向不同軌跡的舞蹈藝術家周子超、葉名樺與李書嫻，從個人的舞蹈軌跡出發，延伸至大環境的體制與職涯發展省思。

啟蒙於蘭陽舞蹈團的周子超，年紀輕輕就考上澳洲芭蕾學校（The Australian Ballet School , ABS)，開啟海外訓練之路，在澳洲渡過充實又快樂的年少時代。隨後更順利加入澳洲芭蕾舞團（The Australian Ballet Company）擔任職業舞者，跳遍歐美大型劇院。近年來，他積極返台授課，期望帶給臺灣芭蕾學子「不一樣」的訓練體驗。他強調「舞者應該是說故事的藝術家，而非展現技術的機器人。」唯有真誠的連結與情緒投入，才有動人的表演。

土生土長於高雄的葉名樺，16歲就擔任過舞劇主角，即便往後的職涯轉向當代舞蹈，仍不減她對芭蕾的熱愛與情感。近年她與衛武營聯手推出芭蕾舞劇《遇見胡桃鉗的女孩》三部曲，豐富高雄的舞蹈風景。她眼中的芭蕾並不侷限於西方或古典，而是能融合編創與跨界元素，長出屬於當代的模樣。

同樣畢業於傳統舞蹈訓練體制的李書嫻，求學時因參與全本舞劇備受啟發，體悟到芭蕾是涵蓋文本、燈光與服裝的整體藝術。畢業後她毅然遠赴俄國聖彼得堡鑽研臺灣罕見的「排練員」（Rehearsal Coach）專業，帶回珍貴的產業技能。她深知臺灣芭蕾體制的不足，在兩天的工作坊中示範了如何引導學員在短時間內深入舞劇的詮釋，期盼能以專業的排練指導，引導新生代舞者理解藝術表達的本質。

無關國籍、文化或語言，他們都相信芭蕾能作為媒介，講述屬於臺灣的故事。然而儘管臺灣擁有極具天賦與身體訓練的人才，卻因缺乏職業舞團與配套機制，導致多數人的舞者之路越走越窄，既撐不起職涯，也無法推動產業前進。「臺灣應該建立健全的職業舞團，同時作為國際交流平台。」周子超強調，無需將芭蕾視為西方產物，而是融入臺灣當代的現況，重新詮釋古典劇目，一步步長出屬於我們的芭蕾劇碼。他們相信，佔據許多臺灣人童年回憶的芭蕾，依舊能持續讓大家感受舞蹈的美麗與藝術能量，也讓還在這條路上奮鬥的每一具身體，都能在這個產業找到自己的位置，一起建構完整的芭蕾生態系。

《創作芭蕾的未來風景》——用芭蕾的語言，長出臺灣的故事

作為橫跨當代與古典芭蕾的編創者，葉名樺在本次的創作工作坊中，協助德國編舞家 Andreas Heise 與舞者雕琢出一支令人驚豔的小品。兩人以自身經驗出發，分享各自的編創啟蒙、劇場實踐與跨界嘗試，也探討芭蕾如何從體制嚴謹的古典舞風，轉化為回應生命、連結觀眾的當代語彙。

來自德國的 Andreas Heise，當年因為陪同朋友考舞蹈學院意外入選，而開啟正式的舞蹈訓練。投入舞蹈20多年來，他的足跡從德國一路到挪威，早年首次編舞作品取材自個人的感情經驗，這段羞澀的經歷讓他體悟到：「即便是極其私密的情感，只要勇於分享，就能開啟藝術的無限可能。」從此他打開編創的視野，跳舞，也編舞，更跨足歌劇的執導。

葉名樺的編創開關，則是在2013年遠赴挪威卑爾根駐村時打開的。彼時羅曼菲舞蹈獎助金的評審之一林懷民老師告誡她：「去過生活！」讓她放下慣性認真的腦袋，學會將生活感知轉化為創作底蘊，後來更以《牆後的院宅》獲台新藝術獎年度大獎。

兩人的創作啟動方式相異卻又互補，臺灣因受限於職業芭蕾舞團的知識與資源偏少，反而讓葉名樺不受經典的限制，將劇場的經驗應用到芭蕾舞劇的編創；而 Andreas Heise 則多以特定的音樂、文本與劇院邀約為創作起點，他習慣從閱讀和聆聽建立第一直覺，再與戲劇構作、舞台及服裝設計激盪碰撞想法，最後才帶著清晰的架構進排練場與舞者工作。他喜歡模糊表演者的邊界，讓歌手跳舞、也讓舞者唱歌，在舞台上展現屬於表演藝術的整體藝術能量。

「相信自己，堅持直覺。」Andreas Heise 強調，直覺與真實是舞蹈工作者最重要的特質，也是舞作充滿生命力的關鍵。周子超對此亦感同身受，強調藝術家要學會講故事。他提醒臺灣舞者應擺脫追求技巧的迷思，「舞蹈語彙若缺乏內心的真誠，就只是像機器人般僵硬；唯有發自內心的感受，才能打動觀眾。」他們鼓勵臺灣的舞蹈工作者，勇敢以東方的身體和亞洲的視角來發展芭蕾的編創，「身形跟技術不是唯一標準，當下展現的『真實』才是好看的關鍵。」