必看2025台北雙年展《地平線上的低吟》北美館登場！72位藝術家共譜思慕

物件如何成為敘事的載具？這是近年最精彩、最不容錯過的年度大展！第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」於11月1日至2026年3月29日在臺北市立美術館展出！此展由柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長山姆．巴塔維爾（Sam Bardaouil ）與提爾．法爾拉特（Till Fellrath）共同策展，彙集來自全球37個城市、72位藝術家約150件作品，其中囊括 34 件全新委託創作與現地製作，一次呈獻繪畫、雕塑、錄像、攝影、表演等多元媒材的精彩創作。

同一個主題下，不同思慕之情的投射與想望

展覽從城市脈絡出發、以「思慕」為核心概念，策展人藉由侯孝賢電影《戲夢人生》裡的尪仔、吳明益小說《單車失竊記》的單車，以及陳映真小說〈我的弟弟康雄〉裡自盡的年輕人，三個物件元素為靈感啟發，透過這些文學和電影文本共同鋪陳本屆雙年展的架構，也以三種截然不同對「思慕」的詮釋，在展場中交織迴響（尪仔代表延續性，日記代表內在世界，而單車則隱喻追尋），串起不同藝術家個人、土地、在地、家族等普世價值。

展覽分處地下室、一樓與二樓三個場域，透過精準且巧妙的動線編排，既有以圓弧量體包覆而成的私密場域，也不時透過紗簾創造光影下的曖昧性，同時在呈現方式上也縮短了作品與觀者的距離，拉近彼此之間的親密感，更重要的是貫穿其中的敘事性，始終如影隨形；不只讓不同作品與北美館典藏對話，同時也和窗外城市、天空飛過的飛機聲響產生迷人互動。

展場內沒有宏大而遙不可及的口號，或艱澀到讓人難以招架的專有名詞；對於每個走入展場的觀者，都能以自身生命經驗為嚮導，瀏覽每件作品背後各自書寫的敘事風景，並一步步感受「思慕」所召喚的共鳴。從天花板上光影移步時幽微變化的色澤，體驗身處被黑暗圍塑下、伴隨光線閃動時如打雷般具戲劇感的鬼故事，理解在熟悉城市裡因時代變遷而迷失方向的計程車司機，或是不妨也拿起牆上的電話，打給一個未知的陌生人。

此次台北雙年展有太多值得佇足細細觀看的作品，你可以走動、參與其中、坐下來欣賞，也能爬上一張床，躺在美術館裡看一部錄像作品。因為你不會只來一次，但每一次都會看見另一種思慕的共振。

可回應時代的策展脈絡、極具穿透感展牆設計

雙年展將當代作品與北美館典藏作品交織呈現，將近30件館藏作品分布於展場各處，與新委託創作及借件作品展開對話。其中，來自 1930 至 1980 年代的攝影作品構成貫穿雙年展的線索，呼應展覽概念的出發點——「尪仔」、「日記」與「腳踏車」；其他作品則在形式或主題上，與展場中特定作品產生共鳴。這些典藏作品不僅以歷史作品現身，更成為思慕的活性媒介，連結延續與轉化。這樣的策展方法，使曾塑造臺灣文化的藝術家，與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代對話。

展覽特別打造以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間間的分隔。這些懸浮的元素形成具穿透性的界面，透過佈局使觀者視線能穿越展廳，創造空間連結的節奏律動。此空間策略呼應雙年展的主題脈動，引領觀眾沉浸於流動且具沉思性的觀展經驗。此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡，並開啟理解雙年展理念的易達路徑。

策展人山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特表示：「我們希望創造一個唯有在此地能實現的雙年展——傾聽那些形塑臺北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。我們與臺北市立美術館藏品的對話，並非懷舊之舉，而是一種紮根：當堅持深入參與在地故事時，在地便能成為關照世界的透鏡。在『地平線上的低吟』中，思慕就是那座橋樑—— 它始於記憶的親密之處，並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」

三個樓層亮點作品一次看

一樓展區｜

此區呈現關於奉獻、記憶與堅韌之間具有深刻連結的作品，它們共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，以及如何成為一種生存之道。

▍邱子晏《偽飛行場》（2025）

1985年生於苗栗三義的藝術家在此件作品中，重建一個日本殖民統治時期的誘敵機場。透過由鐵架和紙板手工搭建的零式戰鬥機，以及駕駛艙內的錄像，這個現地製作融合歷史事實與虛構敘事，檢視集體記憶的形塑過程。

▍巴西藝術家亨里克・奧利維拉《雜草》（2025）

策展人曾分享藏於中國與台灣兩岸的黃公望「富春山居圖」，曾於2011年在台北故宮舉辦的「山水合璧─黃公望與富春山居圖特展」中合體的故事給藝術家，兩幅畫在經歷漫長的分離之後，再次重聚，卻因兩個地方的氣候與保存方式不同而無法完整縫合。在聽到這段故事後，藝術家以自己的方式作出了回應，創作出這件作品。這個巨大的結構被建築物本身的空間分割開來，讓人不禁思考：它是否有一天能重新合而為一？還是註定永遠分離？透過這件作品，生動地呼應並詮釋了本次展覽的主題──「思慕」──那種對於重聚、圓滿、達成連結的渴望與不確定。

▍安娜・葉爾莫萊娃《在線上》（2025）

1970年生於列寧格勒，於1989年以政治難民身分逃離蘇聯，移居奧地利，現居於維也納及林茲。走進展場後，右手邊牆上即會看到一件看似非常簡單的作品。此裝置作品《在線上》，由三部蘇聯時期的公用電話組成，分別安裝於不同樓層，供觀眾彼此通話。這是一台真的能使用的公用電話。同時位於展覽的一樓、二樓與地下一樓，各有一台。當觀眾撥打其他樓層的電話號碼，如果有人剛好在場，就能接起電話，與你通話。這是一個極富詩意的隱喻——象徵人們試圖連結、對話、跨越阻隔，去觸及另一個人的渴望。

▍以三件北美館典藏攝影作品點題

這次展覽有三個核心物件，分別是李天祿老師的布袋戲偶、陳映真小說《我的弟弟康雄》裡那位因升學壓力而選擇自殺的年輕人，以及吳明益小說《單車失竊記》中，那位藉由尋找父親遺失單車而試圖尋回父親記憶的角色。

策展人分享到，「當我們開始研究這些典藏作品時，發現了過去一百年間許多極為動人的攝影作品，其中有些影像的主題與這三個物件所承載的意涵不謀而合，於是我們決定以這些攝影作品作為對應的『視覺引言』。」因此雖然這三件物件並未實際出現在展場中，但透過影像語言，它們的精神與情感在展覽的各個樓層之間流動與延伸。

左起為張照堂《李天祿》（1978）呼應本屆雙年展三大概念出發點之一 —— 侯孝賢執導的《戲夢人生》，一部以李天祿的生命歷程為核心，結合紀錄與傳記的電影。中間為李釣綸《下課》（1950），其捕捉到一名孩童坐在木長凳上，被定格於靜止與蛻變的臨界時刻。看到這張照片時，我們會好奇，這個孩子長大後在六○、七○年代經歷社會劇變時，是否能在變動的時代中找到自己的位置？最右則是徐清波的《寒意》（1958）它與吳明益筆下的「幸福牌」遙相呼應，透過照片比例的張力與空間深度，作品亦呈現出既真實又象徵性的距離感。

▍寇拉克里‧阿讓諾度才《愛在死亡之後》（2025）

1986年生於曼谷的藝術家，以一件影像裝置，透過記憶與夢境探索時間、失落與重生議題。這件裝置結合了藝術家兩部早期作品的元素：其一是他在曼谷藝廊（Bangkok Kunsthalle，位於一間因火災而關閉的印刷廠內）創作的多媒體裝置；其二是在泰國華富里（Lopburi）一座廢棄電影院拍攝的場景，如今該地棲息著猴群，據信牠們正是這座城鎮的祖靈。這部新影片以恐怖故事的形式呈現，核心情節圍繞著一隻神猴，牠能化灰燼為黃金。作品運用光線、聲音與機械效果，將展場空間轉化成一個進行儀式與附身的載體，影片則投影在透明幕上，藉此營造出幽冥臨場感。

地下樓展區｜

地下樓的作品聚焦「身體」，將其視為見證與轉化發生的場域。該樓層猶如一面地下鏡像，讓觀者在此深入自我內在，而思慕則透過呼吸、重複與儀式逐漸具象化。

▍伊凡娜・巴希奇《氣動激情》（2020–2024）

一共展出三件雕塑，分別置於展廳內與中庭。此件作品《氣動激情》的主雕塑〈形變〉內建麥克風，將響亮的機械鎚擊聲收音並放大。錘子隨藝術家的呼吸節奏緩慢敲擊，逐步將石塊磨成粉末。此作將呼吸的動作轉化為雕塑形式，以特定節奏敲擊的石頭、玻璃容器與其中的霧氣，模擬肺部呼吸的運動，體現對昇華的渴望。

▍克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯

藝術家以人工智能生成的繪畫作品，重新詮釋斯里蘭卡的殖民歷史，並將政治敘事與數位抽象風格相融合，藉此質疑「自動化記憶」時代中的歷史真相。

▍傑基・康諾利《礦物王國（暗綠）》（2025）

這件錄像作品將個人悲傷轉化為數位地景，並運用如夢似幻的意象，讓記憶與虛擬場域相互交融。透過兩個電視螢幕，一高一低，懸掛在大型鷹架兩側。LED燈從鷹架的金屬支架內發出微光。影片引領我們穿梭於超現實景觀——遊走於天界與冥界之間。這段旅程始於荒蕪的冬日景觀，最終將我們帶入地底深處。這部錄像作品亦為藝術家獻給逝去摯友的追思之作。

二樓展區｜

二樓展覽將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題。展出作品追溯現代藝術脈絡，由對感知、詮釋與連結的渴望所塑造 —— 透過思慕的視角，共同重構對世界的想像。

▍陳澄波《夏日街景》

陳澄波於1895年出生於臺灣，時值日本統治前夕。他曾赴日求學，在上海工作，後返臺定居。1947年，於二二八事件期間遭到逮捕並公開處決。雖然生命以悲劇收場，作品卻強烈體現了臺灣意識。此為藝術家在1920至1930 年代所創作的明亮風景畫，其描繪了烈日下的炎熱街道，一根居中挺立的電線桿，與三棵枝繁葉茂的大樹相互呼應。不只呈現時代交會下臺灣的變遷風貌，同時也體現出在地傳統與全球現代主義之間的對話。

▍皮・斯塔弗《骸骨》（2025）

在《骸骨》中，皮・斯塔弗透過拍攝人類骨骼，探討身分認同、記憶與我們對身體的認知。藝術家檢視權力體系如何控制身體——尤其是那些經常遭到社會排斥或忽視者的身體。這件裝置延續此一探討，反思生死本質，以及被看見或未被看見的意義。透過緩慢重複的影像，這件錄像作品有節奏地一一呈現人體骨骼，隨著骨骼淡入淡出，藝術家同步反思人類的憂懼與渴慕如何隨之起伏消長，亦將展間轉化為探討控制與抵抗的場域，透過紅外線影像與詩意敘事，檢視身體如何被規訓與解放。

▍伊娃・喬瑟邦《此處》（2025）

藝術家以分藏兩地的古典繪畫《富春山居圖》為靈感，由木材、紙板及多種複合媒材構成。朝向天花板的頂面宛如山水景致或城市天際線，其形態則在朝向地面的底面被鏡像呼應。兩個面彼此對照，卻始終無法相遇，不只打造出一座鏡像森林，亦將分離的主題轉化為充滿反思意蘊的視覺詩篇。

▍莫娜・哈透姆《小室》（2012–2013）

莫娜‧哈透姆的裝置藝術作品《小室》由八個籠狀結構組成，這些結構以通常用於加固混凝土的鋼筋製成。堅硬的網格中，置有脆弱、不定形的深紅色玻璃塊體，它們形似奇異生物或非特定的身體部位。圓潤且半透明的玻璃形體，與堅硬鋒利的鋼筋網格形成強烈對比。哈透姆藉由這種對比，探討禁錮及欲想自由的主題。

▍什麼是「地平線上的低吟」？

其探討了「思慕」作為持續推動人類的內在驅力——那種超越可及之物，明知無法掌握、卻仍不願退讓的動能。它既是個人也是集體的，柔弱而倔強；是將渴求連結至想像及變革的線索。因「低吟」（Whispers）喚起交流的脆弱性——那些即便在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除仍存續的故事；而「地平線」（Horizon）則象徵已知與所盼之間的交會，亦暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離、最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

▍三件富象徵性物件背後的意義？

本屆雙年展的概念基於三件看似尋常、卻富有象徵性的物件，它們並未以實體在展間中出現，卻是引導展覽情感和時間脈絡的核心隱喻。事實上，兩位策展人在兩年前策劃台北雙年展前即看過侯孝賢的電影《戲夢人生》（1993），以及吳明益小說《單車失竊記》（2015）。後來造訪台北時，則在友人的推薦下看了陳映真的短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）。

在《戲夢人生》中出現的尪仔，象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；而陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉中的日記，則傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境；至於吳明益小說《單車失竊記》中的單車，則藉由兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。

2025第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」

展期：2025.11.01-2026.03.29

地點：臺北市立美術館

官網：http://www.taipeibiennial.org/2025