馬戲能帶來刺激、快樂，但大家似乎較難想像在馬戲中得到感動。對李宗軒而言，他所追求的，是一種不同於大眾認知的馬戲形式：在挑戰身體極限與展現肢體美學之間，蘊藏著複雜而細膩的情感。表演的瞬間，馬戲能傳遞歡樂，也能蘊含哀傷；它讓觀眾在不經意間感受到表演藝術的力量。而這份感動，不一定是喜悅，卻同樣真實而深刻。

採訪當天，李宗軒人在德國準備《苔痕》在德國威瑪藝術節（Kunstfest Weimar）登場前的最終排練。這不只是《苔痕》歐洲首演，更呈現福爾摩沙馬戲團（FOCASA）從《一瞬之光》、《消逝之島》到《苔痕》這「跨界三部曲」的又一里程碑。

從童年遊戲到科班學習，跨界是人生不變的主題

鮮有人知的是，其實早在推出「跨界三部曲」之前，「跨」的概念便已是李宗軒生命中暗藏的主題。原來，李宗軒小時候活潑好動，四、五歲時，媽媽將他送進台灣知名現代舞者林絲緞開設的藝術統合美學教育班「放電」。相較於傳統的舞蹈課、繪畫課等兒童才藝課程，藝術統合美學教育班則混融美術與即興舞蹈，透過遊戲引導孩子進入充滿想像力的世界。「我在那裡玩得很開心，像是跟著老師、同學玩遊戲。」李宗軒笑道。

童年時誤打誤撞地探索，讓李宗軒很小便愛上了舞蹈。隨著成長，他同樣熱衷於體育與街舞，並在學習與表演過程中漸漸長出自信。「國中時，霹靂舞在台灣開始興盛，我就創了社團，自己是團員兼老師，還會去參加競賽。印象中當時Sony有辦街舞比賽，贏了可以拿到一個隨身聽！ 」

而在國中畢業後，他報名了北藝大舞蹈學系七年一貫制的招生考試，從體制外遊戲到進入科班學習，讓他不只在幼時學習即興舞蹈、街舞、爵士舞，也逐步接觸到科班教育下的芭蕾、現代、中國舞訓練，以多元成長養分奠定「跨界」創作基調；另一方面，北藝大暑期邀請國內外創作者授課的夏令營，也讓李宗軒發現，原來不是把技巧做到最好，就能帶來好作品，反而是思維整合的過程更加重要。

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受馬戲的包容性吸引

玩出更多超乎想像的事情

或許是在這些經驗影響下，李宗軒從不覺得「跨界」是件奇怪的事，反而習慣思考不同系統之間的相容空間；更在練習思維整合的過程中，激起更多創作想法，也把框架更打開一點。帶著這樣的領悟與長期磨練出的舞蹈功底，李宗軒大學畢業後，透過公開徵選加入雲門舞集。「剛加入時，光是學那麼多舞，讓自己變成雲門舞者的樣子，就已經耗費全部力氣；後來比較適應的時候，則會開始關注林懷民老師創作的技巧與脈絡；到了第四、五年時，眼光則慢慢轉向自己，思考在專業舞者之外，我還能玩出哪些事情？」

「當時我想，其實這個階段的雲門，沒有我也沒關係，但我很好奇，如果自己沒有雲門的光環，會變成什麼樣子？」也正是在這段期間，他因《九歌》巡演結識FOCASA團長林智偉，也受邀為FOCASA團員進行肢體訓練，更因此逐步認識馬戲。這也讓他發現，馬戲的表演內容包容度極大，而這樣多元包容的特性對他而言，具有無比的吸引力，遂在林智偉邀請下，正式加入FOCASA。

透過「跨界三部曲」擾動對馬戲的定義

然而，加入馬戲團後，他也發現，儘管馬戲內容包羅萬象，大眾對馬戲的印象卻往往停留於老虎、大象相伴的特技雜耍。為了翻轉人們對於馬戲的印象，2016年起，李宗軒逐步推動FOCASA的「跨界三部曲」，透過跨界合作，打破觀眾甚至馬戲演員自身，對馬戲的想像邊界。

於是，李宗軒首先以動作設計身份，參與FOCASA與「莎士比亞的妹妹們的劇團」導演Baboo合作推出的《一瞬之光》，挑戰馬戲表演能否跳脫技術導向的表演邏輯。「為了這個完全顛覆想像的做法，我跟團員進行大量心靈輔導。」李宗軒笑道，「畢竟，演員從小到大努力把技術推到極致，習慣表演時每三秒就有一個爆點。但是《一瞬之光》拿掉外顯技巧，而是表現出內斂的馬戲思維，像是讓道具變成主角，演員如手機展示架般呈現道具。過程中運用平衡技巧、柔軟度與協調性，便是馬戲風味之所在。」

接著，由李宗軒執導的二部曲《消逝之島》則與菲律賓裝置藝術家理羅．紐 （Leeroy New）合作，結合理羅的非典型裝置與社子島巷弄空間，展開「漫遊式劇場」的表演實驗。至於如今在德國威瑪藝術節演出的三部曲《苔痕》，則是李宗軒以製作人角色，加入FOCASA與德國舞蹈劇場團隊Peculiar Man攜手帶來的劇目，探索馬戲在帶來「驚嘆」之外，是否也能勾出觀眾心中的「感動」？「馬戲能帶來刺激、快樂，但大家似乎較難想像在馬戲中得到感動。那種感動不一定是快樂，卻能夠引人思考，也是我在《苔痕》中想要嘗試達到的事。」

這些創作不僅改變了團員的思維，也逐漸讓外界理解馬戲的更多潛力。在此過程中，逐漸將重心從表演轉為創作、教學的李宗軒，也發現如今自己最大的挑戰，便是在有限資源下找到創作性與商業性之間的平衡點，同時找到馬戲的嶄新風景。「當然，主要營運責任還是在智偉身上，我這邊比較像是研究實驗室，努力去思考我們怎麼尋找新的可能，而不只是獲得現在觀眾的掌聲？ 」這樣的探索，也讓FOCASA能在市場現實下，持續保有實驗精神。

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揉合馬戲的原始野性與台灣土地的感性

近年，他也多次隨團出國表演或參訪，並在過程中觀察到，國際馬戲趨勢一直在變。然而，比起將最新潮流帶回台灣，現在的李宗軒反而更想長出台灣馬戲自己的模樣。「把國外的表演風格帶回來，台灣觀眾不一定能接受；相對地，我們對自己的作品也越來越有自信，能勇敢地強調我們跟歐美不一樣的地方。這樣的特色反而讓他們更好奇。」

為此，他近來在創作中，努力表現出屬於台灣的身體辨識度（Body Signature），並善用台灣馬戲演員的斜槓技能，與不同領域碰撞出更多創意。「馬戲演員的身體有一種野性的美。他不像舞蹈演員會想要修飾身體，讓線條順暢柔和，而是強硬原始的展現。我希望強調這種美感，再加上東方身體的訓練，讓觀眾能一眼看出，你是來自台灣的馬戲演員。」

他也表示，相較於國外馬戲演員往往專注於單一技藝，台灣馬戲演員則更能斜槓不同技術。這樣的特質是因為台灣馬戲演員多傳承中國雜技，學習過程中涉略許多團體項目；且本土馬戲市場較小，演員往往得擁有多重技能，才能爭取到更多演出機會。教育體制與市場機制的無心插柳，為如今的台灣馬戲帶來意想不到的機會點，透過更多創新與融合，拋出台灣馬戲的嶄新可能。

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5 大創作風格關鍵字｜5 Key words

身體辨識性

我希望台灣馬戲能有屬於自己的身體辨識度。觀眾第一眼就能看出，這是馬戲演員獨有的原始野性，與來自東方的身體表現。這是屬於台灣的馬戲表演。

混合

我一直在創作中追求「混合」狀態。不同類別之間沒必要設限，當形式彼此流動、融合時，才會生成新的可能。這種跨界的混合，正是我最想去實驗的事情。

整

我很喜歡「整」這個字。可能是受到雲門訓練影響，對我來說，一個動作絕不只是手或腳的局部移動，而是整個身體的聯動。表演時，我會要求演員在每個瞬間，都必須全身帶著覺知。

律動感

律動從呼吸開始。其實最難的不是大幅度動作，而是如何「站著不動」卻仍保有內在律動。因為那不是靜止，而是從呼吸到身體深處的流動感，就像生命本身不會停止一樣。

當下

表演永遠是「Life performance」。同一個片段，在不同場地、空間、觀眾之間會產生完全不同的化學效應。因此，演員要隨時感知，並在當下作出回應。就算是一百次的排練組合，也要在舞台上重新去感受，因為真正的表演，只存在於當下。

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5 個持續關注的表演藝術節慶｜5 Arts Festival

比利時Smells Like Circus

這個節日並未急於定義自己是「馬戲藝術節」，反而敞開懷抱納入各式表演形式。實驗性強，樂於挑戰界線，長年挖掘出許多極具創造力的團隊。

德國威瑪藝術節（Kunstfest Weimar）

規模並不算大，卻小而精美，專注於當代語境下的馬戲探索。與許多強調親子同樂、擴大觀眾群的藝術節不同，它選擇讓馬戲人前來「朝聖」，期待能在這邊看見哪些顛覆想像的鬼才與「怪胎」？

丹麥DGI運動與文化藝術節

這是一個行之有年的大型活動，在「運動與文化」的大傘下，包含馬戲、舞蹈、滑板、體操等多種表演，更有編導把所有節目串接起來，讓它不只是「拼盤演出」，更能展現出具有整合性的專業表演。而且每檔節目僅15分鐘，非常適合習慣快節奏的年輕世代。

法國BIAC馬戲藝術雙年展

作為法國最具指標性的馬戲藝術節，BIAC 聚集全球最重要的大團與大製作。能在這個舞台亮相，本身就代表一種地位與肯定。

台灣馬戲藝術節

同時涵蓋藝術性與娛樂性，目標群眾從2歲到80歲都有。園區內也設置各種教學體驗，讓觀眾先嘗試後，再進劇場觀看表演，往會有更深的感受。

5 個關注中的台灣表演藝術團隊｜5 Troupe

小事製作

我們認識已久，也很開心看到他們不斷嘗試新的方向，並開始進入經營層面的思考。可以感受到，小事製作沒有給自己太多限制，也讓這樣的靈活性成為特色，讓他們能開展許多跨域合作，

帶來意想不到的火花。

翃舞製作 HUNG DANCE

他們逐漸找到屬於自己的身體符號，因而展現出明顯的辨識

度。這樣的成熟度在年輕創作者之中並不容易。

布拉瑞揚舞團

布拉瑞揚是我最欣賞的創作者之一。他擁有專業科班訓練背景，卻能與沒有相關訓練的原民表演者合作，將他們最自然、最動人的一面帶上舞台。這樣的融合十分動人，也讓人覺得，好的創作者就應該這樣。

馬戲之門

近年推出許多馬戲作品，特別是在社會馬戲領域中有不少新嘗試。多數表演者來自戲曲訓練，因此帶出與FOCASA不同的樣貌，讓人期待他們為台灣馬戲帶來新的風景。

身體處方

創辦人有街舞背景，後來就讀北藝大舞蹈創作學系，並創立屬於自己的舞團。作為非常年輕的一代，他們勇敢無懼地嘗試，沒有被既有框架侷限，在表現形式上展現出強烈的企圖心。

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