「草間彌生的軌跡與奇跡」北師美術館開展！林曼麗帶路重返經典圓點

頂著短髮、身著一襲紅衣白點裝，她是無人不識的草間彌生，亦為當代最偉大的藝術家之一。這是高齡95歲的她，深植在大眾心中的形象；然而，如果將時間倒轉至26年前，草間彌生首次在北美館台北雙年展的當下，或是回到過去、在她對日本藝術環境失望過後，締造在紐約狂飆過激的六零年代，你又會從中看見什麼樣的草間彌生？

12月21日至2025年5月4日，在國立臺北教育大學北師美術館登場的「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」，由現任國立台北教育大學藝術與造形設計學系名譽教授林曼麗擔任總策畫，以特別重製的裝置作品《圓點的強迫妄想》為序，透過四大子題、70件作品，以及相對罕見的六零年代行為錄像，邀請大眾近距離感受草間彌生在網與點、陰與陽、生與死之間擺盪的精彩創作。

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睽違26年重磅回歸！草間彌生70件作品一次看

睽違26年，台灣再度展出草間彌生。展覽從其1998年創作的《圓點的強迫妄想》大型氣球裝置為起心動念，並以倒敘般的四個子題：「草間的綻放」、「圓點・原點」、「草間的蟄伏」、「Love Foever」，展出70組/件草間彌生精選作品，內容涵蓋繪畫、拼貼、軟雕塑、大型裝置、行為展演錄像、服裝等多種創作形式。

現場不只能看到大眾熟知的圓點、無限的網等標誌元素，同時也呈獻草間彌生較少曝光的1960年代行為錄像作品，及其設計繪製的服飾、1970年代的拼貼創作，與1980至90年代的巨型裝置作品；更重要的是，除了重製的《圓點的強迫妄想》之外，其餘作品皆為首次在台展出。

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從原點出發！草間彌生《圓點的強迫妄想》再製重現

這件《圓點的強迫妄想》，為1998年草間彌生受到當時臺北市立美術館（北美館）館長林曼麗及策展人南條史生之邀，在台北雙年展中所打造的現地裝置。她以七個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球佈滿北美館的中庭，這也是草間彌生以巨大雕塑與公共空間對話的重要節點，而展後該作亦獲北美館典藏。

此次北師美術館與草間彌生工作室緊密合作，透過北美館典藏的作品草圖、裁片設計稿、皮料樣本及模型等檔案文件，加上草間彌生工作室跨海監製，結合日本工法和台灣在地技術，並透過當前最新型態的3D掃描，分毫不差的重製了原尺寸七顆螢光粉紅黑點氣球。林曼麗表示，「每個點點都是手工貼上去的，耗費了三個星期才完成，相當不容易。」

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策展人林曼麗帶路！現場直擊「草間彌生的軌跡與奇跡」亮點之作

►兩樓展場｜①「草間的綻放」

在進入展場前，可先繞行至戶外，襯著天光觀看在戶外展出的《圓點的強迫妄想》。接著返回室內，拾梯而上二樓，右側牆上依序為草間彌生年表，桃紅字即為此次有展出的作品，藉由清晰簡潔的方式，讓大眾一目了然藝術家的創作時間軸。

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來到二樓，眼前即是作品《圓點的強迫妄想》，也是整場展覽的序幕。

回溯到1993年，那是草間彌生重新站上世界舞臺的關鍵時期，當時她成為了威尼斯雙年展日本館藝術家，後來也接連在洛杉磯郡立美術館、東京都現代美術館舉辦大型個展，並於1998年受邀參與台北雙年展。而這件漂浮在北美館中庭的氣球，亦成為該時期相當關鍵的一個作品。

林曼麗表示，「因北師美術館並非封閉的白盒子空間，有光時，會因玻璃反射，將展場變成無限鏡屋般，形成整間粉紅色的狀態。非常漂亮。」也正是因人與作品之間的親密感，造就了它的獨特性，同時也因北師美挑高大面玻璃窗展廳，讓作品與外面的街道、環境融為一體，充份體現作品跟人之間緊密的關係。」因此，觀者能近距離感受作品，也能拍照，但不可觸摸。

林曼麗指出，「草間彌生的作品從平面、立體到軟雕塑，或像大眾相對熟悉，自90年代起創作的《南瓜》等，都在強調其作品可與自然、環境、空間產生連結與對話。因此我們也很努力的，讓這些氣球在空間裡飄浮起來。」

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除了《圓點的強迫妄想》之外，第一個子題「草間的綻放」（1985年至2005年），可看見草間早期極具開創性的作品，同時這也是她在歷經人生各種階段後，相對明亮的時期。同時，林曼麗也表示，「此次展名為軌跡與奇跡，因為對草間來說，藝術即是她的生存本能，亦為其救贖。」而走訪此區，可以看見她以「軟雕塑」指涉了個人的內在精神狀態，以及她對性這個行為背後的恐懼與矛盾。尤其「有些藝術家會跟其它人靠在一起，或是參加不同的流派、畫派，但我覺得草間彌生從一開始就在走自己的路，她就是美術史。」

值得一看的是，《幻影的彼方》即是她的香格里拉，這裡沒有壓力、沒有疾病，還閃爍著金光，彷彿生活於此便能青春永駐。然而，離開這個世界，那個會枯萎凋零的才是人類的真實世界。因此草間彌生也用藝術創造出他認為可以永生不死的烏托邦。

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►三樓展場｜②「圓點・原點」

三樓回到了草間最初的圓點與原點；同時，展場也充分利用北師美術館多視點的空間調性，讓大眾從不同視野去感受作品張力。像是由上往下看，又是另一種風景。為此林曼麗指出，「策展的關鍵是，作品如何與空間結合、對話，當然最重要的還是要回到人身上，當人進入展場後，又該如何融入作品與空間。因此策展不只是處理藝術，還要讓觀看的人有所感覺及體驗。」

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而此區透過展覽中年代最早、出自1951年的作品《點》，也預示了往後「圓點」的無限發展契機。林曼麗表示，草間在幼時即有幻覺，她10歲以前的作品裡，已經全部都是點點了。「我常講，很多人會說她是超現實主義，但她從頭到尾都不承認自己是，而且我也不認同。因為你看到的、所謂的超現實，對她而言就是現實。她就是在那樣子的狀況之下，每天活著，因此她以繪畫的方式去表達與自己格鬥、生存的過程。」因此透過她最原初的樣子，如現場展出的《海底》、《自畫像》、《東方鄉愁》（日本漆樹）等，雖然尺幅皆不大，但仔細去觀察其筆觸，真的令人嘆為觀止。同時，她在媒材的使用上也相當豐富多元。

另外，像是1963年創作的《航空郵件的積累》，此作全球僅有4張，透過重覆的拼貼不只反映了她的強迫症，以及她觀察世界千篇一律的單一與不斷增生、不斷重複、不斷積累的過程。而這些也是她在尚未前往美國之前的創作。

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►三樓展場｜③「草間的蟄伏」

1957年至1970年草間都在紐約打拼，對林曼麗來說，一個亞洲女性，如果不是具有堅定的意志，以及對藝術創作的執著，很難在以白人男性為主的藝術圈生存下來。

後來1970年代，她重新回到了日本。當時，她因為在美國的創作被日本社會視為「醜聞的製造者」，當時的日本人無法理解這樣子的創作。因此她也不被接納。再加上個人精神狀況不佳，因此1970年代後，草間便進入到一個相對低潮、恐懼、黑暗的時期。林曼麗表示，「有時，你會以為她在畫圓點，但其實她是在畫網，只是網眼變成了圓點，這其實也是陰與陽、生與死的概念。因此無線網即是消融，也像是自我消滅的過程。

因此在蟄伏的10年裡，她寫了15本小說。即便是活在非常大的恐懼裡，她依舊在探索生命，嘗試活下來。畢竟，她曾經有好幾次都想要自我了斷。然而，每次她又都勇敢的站了起來，因此她後來便決定還是要擁抱生命的光跟熱，直到生命的最後一刻。

「這也是為什麼我這次做她的展覽，要談奇跡這件事情，因為對於像她這樣的藝術家，到今天可以用這樣的方式存在這個世界上，並且得到大家的的理解或認同，同時她也可以重新擁抱生命，這就是藝術與生命的奇蹟。」

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►地下樓展場｜④「Love Forever」

這次展覽更聚焦在草間的第一個黃金時代，即是60年代在美國紐約，相當狂飆、奔放且不斷衝撞體制，同時又極具創造力、爆發力的時期。林曼麗表示，地下室展間的兩部錄像作品，皆為18禁，真的非常過激，但也是這個展覽非常重要的一部份。

回看1960年代草間彌生在紐約時期的「乍現」行為錄像、伴隨演出而設計繪製的服飾，以及早期的環境裝置《驅迫意象》：「網」鋪天蓋地延伸至各種現成物之上，人台、家具、動物、食物等，是《幻影的彼方》的最原初版本。

當時，在一片反戰聲浪中，草間彌生以身體行動高喊「愛與和平」，在參與者身上繪製令彼此消融的圓點，既做為性解放的概念，同時也奠定了草間彌生「嬉皮女王」的地位。

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透過「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』—W Collection 1951-2005」展覽，不只能讓觀眾看到不一樣的草間彌生，見證其創作中複雜且多元、深具原創性與突破性的豐沛能量，也能一睹草間彌生傳奇的藝術生涯，起始於日本，後於美國汲取前衛藝術浪潮的養分，同時也持續以勇於挑戰社會體制、忠於自我的姿態，造就其當代藝術先鋒的地位。

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草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005

​展期｜2024年12月21日—2025年5月4日

地點｜北師美術館（台北市大安區和平東路二段134號）

開放時間｜週二至週日10:00-18:00，每週一、除夕、初一休館

官網：https://montue.ntue.edu.tw/

（為維護參觀品質，展覽採預約時段制售票，每日五個時段場次供彈性選擇，每場次人數有限，進場後不限停留時間。）