突破語言框架！台北當代藝術館《No Language》展覽8大亮點作品搶先看

2025/01/16 陳宜慧

一如策展人黃彥穎所說的，「藝術更重要的是言外之意。」當語言與文字都被摒除在觀看法則之外，我們又將看見當代藝術的何種面貌？台北當代藝術館（MoCA Taipei）全新展覽《No Language》於1月17日至5月4日登場！展覽集結14組不同世代臺灣藝術家、跨媒材的創作，不只跳脫語言文字的框架，更邀請大眾以直覺感官重新體驗當代藝術的另一種視野。

台北當代藝術館新年首展「No Language」登場！
圖／台北當代藝術館提供、攝影｜ANPIS FOTO王世邦 — 台北當代藝術館新年首展「No Language」登場！圖／台北當代藝術館提供、攝影｜ANPIS FOTO王世邦

回歸感官本能！邀14組創作者突破語言框架展現直觀藝術

一如當代館館長駱麗真所言，「我們生活在一個被資訊淹沒的時代，語言成為了無所不在的信息載體。然而，語言不一定能完美地表達我們的內心世界，在這樣的背景下，藝術不僅是視覺上的呈現，更是一種無聲的語言，它能夠觸及我們的感官深處，超越語言所能及的範疇。『No Language』不僅讓我們回歸感官的本能，也挑戰了我們習以為常的理解模式。希望透過這場展覽，重新去感受生活中平時忽略的細節」

此次展覽由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，囊括黃萱、蘇育賢、李婷歡、江忠倫、劉文瑄、陳萬仁、吳聯吟、陳為榛、黃海欣、何彥諺、崔廣宇、黃立穎與廖建忠，以突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，引領大眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

蘇育賢《晚安，待會見。》圖／台北當代藝術館提供、攝影｜ANPIS FOTO王世邦

精選8大亮點作品搶先看

▧ 亮點作品1 | 劉文瑄《媽媽咪呀》

擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

藝術家劉文瑄表示，「《媽媽咪呀》非常代表我自己，像是自畫像的概念。（其實三件作品都是自畫像）」這件作品的創作與藝術家的創作心路歷程息息相關，其創作時間橫跨2011年至2025年，而當時創作的概念更像是一個宣言。而向來喜歡拍照的劉文瑄，這兩年也將平面攝影跟紙張系列結合。因而創作了〈生鏽的小女孩〉與〈荒蕪與新生〉。劉文瑄表示，「攝影對我來說，讓我覺得自己很像是一個獵人，就是拿著相機在街道上不斷地遊移，並拍出現實裡面讓我感興趣的抽象。」因此這兩件作品皆以相紙製成，而其背後的影像則來自南港邊陲的工廠。

▧ 亮點作品2 | 何彥諺《席地而坐》

源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

位在一樓走廊的作品，依著不同材質對照著窗外的風景，猶如一張報紙般，形成另一種可推動的屏障。藝術家以木版、瀝青等媒材創作而成的作品，一幅看似星空，另一幅則有如樹影或光影的細節。何彥諺表示這是她以318學運時拍攝到一張「從二樓往下看警民衝突的影像」為靈感的創作。藝術家表示，「我發現在這些很激情的場合，比起當時發生的事情，我可能更留意的是在這些時刻、個人很細小的情緒。」而這件作品，也能喚起觀者感受到柏油路、操場等地面材質，以及與一群人共處的生活經驗。此外，透過拉門方法，也邀請觀眾隨時更換窗外的景色。

▧ 亮點作品3 | 崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》

用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

這是崔廣宇20年前、非常經典的作品，當時是藝術家首次前往國外（英國倫敦）駐村，此作依據他在台北拍攝的《系統生活捷徑》為基礎（藝術家在臺北各個不同的場合換衣服），英國版本則是根據藝術家自己的想像去改變當下環境的可能性，其中一段即是藝術家在街道上朝鴿群投擲保齡球（放心！沒有任何動物因這件作品中而受傷），並展現出關於城市和人之間適應關係的實驗意義。

崔廣宇《系統生活捷徑－表皮生活圈：城市精神》。圖／台北當代藝術館提供、攝影｜ANPIS FOTO王世邦

▧ 亮點作品4 | 黃立穎《轉折》

以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

黃立穎以石墨為媒材進行創作，過去大部份的藝術家可能是在描繪影子來呈現出一個實體的物件，然而他卻正好恰恰相反，他就像是在畫光的一個狀態，慢慢把光畫出來。而在構圖上則是比較接近東方山水的風景感，因此觀者透過持續向上攀爬的過程，能以身體尺度去丈量空間場域的狀態，也能代入這個模糊的風景之中。

▧ 亮點作品5 | 李婷歡《As the Light Went Through It》

將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

這是一件空間影像裝置，慢慢走進黑暗之中，會看見天花上的煙火，藝術家在這件作品裡，試圖去處理一種觀看的經驗，讓人看到要出神的視覺經驗。此外，藝術家也邀請觀者走在她所安排的走路徑上，感受下一個畫面跟場景，在窗框之下，煙火會忽然出現，透過這些光影窗戶能烘托出一種沉浸式的劇場氛圍。

李婷歡《As the Light Went Through It》。圖／台北當代藝術館提供、攝影｜ANPIS FOTO王世邦

▧ 亮點作品6 | 陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》

藝術家使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序，同時也透過物質材料呈現數位感。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》。圖／台北當代藝術館提供、攝影｜ANPIS FOTO王世邦

▧ 亮點作品7 | 陳萬仁《這不是一個幌子》

藝術家擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

陳萬仁表示，這件作品有點像早期作品《無意識航行》，很多人在畫面裡不斷地走在馬路上，不停交錯的樣態。這些人不斷地在尋找，但沒有完全沒有任何交集。而這次作品裡的這些招牌，則猶如街頭上的招牌，也像是每個人日常經驗裡使用電腦時不斷打開的視窗。於是藝術家將這樣子的一個景觀聯想交還給觀眾，並透過每個人不同的生活經驗去詮釋這件作品。

為此陳萬仁以大型廣告看板的概念做為此影像作品的載體，同時藉由五顏六色的多彩去暗指消費社會的意象。觀者來到此區看完作品後，也可以找一張長凳坐下休息，然而當你坐下的同時，也會變成被觀看的對象，因此，在這個空間裡，每個參與人都會成為作品的一部分，同時也讓作品不斷地被改變。